miércoles, 26 de diciembre de 2012

DON ANSELMO Y SU CAPRICHO

El Cochecito
Marco Ferreri
1960

Todo cambia en la vida de Don Anselmo cuando uno de sus amigos, Lucas, se compra un cochecito para movilizarse. Él, totalmente sano de sus piernas, se ve apartado de este círculo de caducos motociclistas impedidos y no duda en adquirir un cochecito para él. Parece obstinación, pero Don Anselmo comienza a vivir en carne propia la necesidad de un sentido de pertenencia.   
Una historia que representa con realismo y humor negro la rebeldía en tiempos de vejez. Una edad donde la locura es una salida fácil para el entorno que cuida de un viejo desocupado y más encima “caprichoso”.
El Cochecito narra con simpleza las preocupaciones de Don Anselmo, quien se considera inválido sin serlo sólo por el hecho de tener buenas sus piernas. Su familia es fastidiosa con él, aunque esta frase puede ser afirmada inversamente… Todo depende de la perspectiva.
Parece una historia indefensa, pero justamente logra pillar con la guardia baja al espectador al ir tornándose en un crudo relato sobre la soledad. Marco Ferreri bromea con la muerte al más puro estilo español.
Sin pretensiones formales, El Cochecito logra reflejar la obsolescencia del individuo transformándose en un objeto de molestia para su familia. Todo bajo el confuso papel de la “preocupación” que dejan ver constantemente sus “seres queridos”.
Muy cercano a lo que fue el neorrealismo italiano, esta película en blanco y negro y muy simple en su construcción juega con la delgada línea entre el drama y la comedia, sin embargo con una presentación de títulos bastante juguetona dan a entender la presencia de humor negro que irá tiñendo la trama, humor que va siendo directamente proporcional al ir avanzando el metraje.
Tan ligera como dura. Don Anselmo será recordado como el más grande bromista de todos. 

jueves, 13 de diciembre de 2012

QUE VUELVAN LOS ANIMALES EXTINTOS

Beasts of the Southern Wild
Benh Zeitlin
2012




En cada historia que veo busco algo de magia. Hay algo de intuición en esa búsqueda por supuesto, pero si van por ese camino llamado cine independiente probablemente encuentren algo de aquel elemento, las grandes películas se hacen desde su interior y son inmensas en su mundo. El espíritu salvaje de la cinematografía.

“Beasts of the Southern Wild” es poética porque logra impulsar el sentir infantil de su protagonista encontrando las palabras y las imágenes correctas para decirlo. Es difícil hablar desde el punto de vista de un niño, pero en esta historia vivir parece más complicado que expresar.

Una historia que habla sobre la cercanía del hombre con la naturaleza, el hogar como un espacio para vivir con dignidad, la familia como sustento para el ser humano, el quiebre existente entre el progreso y el respeto por las tradiciones más arcaicas del hombre, la sobreprotección del padre, la educación. 

La ópera prima de Benh Zeitlin es un drama repleto de fantasía. Este tipo de historias se encuentran en peligro de extinción, pero la magia existe en el cine y esto es prueba de ello. 

Completamente evocadora y bella, Quvenzhané Wallis es la responsable de darle vida a la intrépida y astuta Hushpuppy, quien vive con su padre en La Tina. Un lugar olvidado por el tiempo que constantemente está siendo amenazado por fuertes tormentas y crecidas del agua, razón por la cual casi no quedan habitantes, sólo unos pocos que no se resignan a abandonar su hogar y estilo de vida. 


Benh Zeitlin se encarga de acercarnos la historia con una cámara muy movediza –da la impresión de que siempre nos encontramos sobre un bote en el agua- y con planos muy cercanos a sus personajes para poder sentir su respiración a través de la pantalla. “Beasts of the Southern Wild” es una historia cálida y acogedora. Repleta de lodo y humedad logra crear un microorganismo fílmico. Algunos pueden llamarlo involución, pero ciertamente nos acerca a la esencia. Volver al comienzo.

Un padre que le enseña con fuerza a su hija, es un padre preocupado por su futuro. De lejos parece tosco y bruto, pero todo responde al contexto. Eso no aminora la ternura que a momentos puede evocar.


Lo que logra “Beasts of the Southern Wild” es hacerte sentir como un extraño. Nada está completamente vivo si no logras vivir como las bestias del sur: espontáneos, temperamentales, rabiosos, carnívoros, borrachos y valientes. La cercanía con la naturaleza es tal que la fantasía se hace normal. 

“Beasts of the Southern Wild” es un debut soñado. Me recuerda la fantasía de “Where the Wild Things Are”, pero en un marco mucho más realista y dramático que la de Jonze. Es que La Tina parece un lugar tan real pero a la vez completamente despegado del planeta Tierra.

Zeitlin logra fosilizar un lugar y presentarlo en fotogramas. Mantiene vivo el espíritu salvaje de bestias legendarias como Hushpuppy.


martes, 11 de diciembre de 2012

AMOUR (Michael Haneke)

Amour
Michael Haneke
2012 



Una pareja de ancianos. Ella enferma, él la cuida. La muerte ronda en el ambiente.

“Amour” no cuenta cómo se conocieron ni cómo se enamoraron y vivieron felices por siempre. “Amour” es la película que comienza después de que acaban los créditos de todas las películas de amor.

Ambientada en el ocaso de la vida, donde la muerte parece más cercana que nunca, “Amour” es el relato crudo y realista sobre el tema más universal de tal vez todas las artes: el amor. Pero no es ni crudo ni realista porque sus personajes sean desdichados, sino porque la vejez parece venir acompañada de un velo oscuro y frío para el ser humano, donde más te vale tener un compañero a tu lado. De esa manera, la historia propone un cambio de paradigma frente al tema, porque cuando creemos que el amor está asociado a la juventud, es en la vejez cuando se vuelve verdaderamente imprescindible. “Amour” es terrible no porque se esmere en serlo, sino porque su evidente falta de adornos y ficción, la vuelve en ciertos grados, inevitable para cada espectador. 

El trabajo quirúrgico de Michael Haneke se nota desde el inicio en la sobria presentación de títulos, con la premisa de mostrar solamente lo esencial: letras blancas sobre un fondo negro. Para luego darle paso a una imagen limpia, a la historia sin concesiones del director austriaco.

jueves, 6 de diciembre de 2012

UNA PELÍCULA DE HIERRO

Tetsuo, el hombre de hierro
Shinya Tsukamoto
1988 (Japón)
 
¿Qué diría Baltasar si viera esta película? Él, tan acostumbrado a la contemplación cansina de la vida. No extrañado de la crueldad, pero sí de futilidad de la imagen. Al plano veloz y fragmentado, al metal y a la carne.
Tetsuo (1988) es una película que parte de una premisa simple: un hombre se comienza a convertir en metal. Bajo esa línea, Shinya Tsukamoto compone un viaje frenético y surrealista, apoyando toda la tensión en malabares visuales que deslumbran durante una hora. 
La simplicidad del argumento le da razón al saturado decorado de cada plano. Es epiléptico a momentos. Mezclando técnicas de stop motion Tsukamoto va haciendo avanzar a sus personajes por una ciudad gris, de cemento, emocionalmente muerta, disecada por el metal.
Sólo son dos los personajes que le dan sustento a la trama. El hombre que se comienza a convertir en metal, y aquel que es atropellado por el primero y que gusta de enterrarse pedazos de metal en su cuerpo. Luego de una descripción detallada de la metamorfosis del primer hombre, contemplamos una lucha incesante entre ambos personajes que poco a poco van siendo sumergidos en una lucha mucha mayor: el metal mismo.

lunes, 3 de diciembre de 2012

BAMBI Y EL ANTAGONISTA SIN ROSTRO

Bambi (1942) es la historia de un pequeño ciervo que debe ser criado por su padre ya que su madre es asesinada por cazadores. Bambi crece y debe enfrentarse nuevamente a la crueldad de El Hombre protegiendo a quienes le rodean.



La quinta película dentro de los clásicos animados de Disney, la cual intentó reflejar –con éxito- la fidelidad en los movimientos de los animales salvajes, agregándole realismo a la animación misma.

La historia, que parte de la pregunta: ¿cuál es la mayor amenaza de los animales del bosque? Se deja ver con bastante sugerencia en la muerte de la madre del protagonista. Así es, porque Bambi es por naturaleza una película sugerente. Solamente con un disparo perdido en el silencio del bosque entendemos la pérdida y queda claro el concepto de supervivencia para los animales. Un disparo elocuente por decir lo menos, teniendo en cuenta el contexto bélico de Segunda Guerra Mundial, momento en que fue estrenada la película.

Bambi insinúa la violencia exterior que existe bosque, pero no se molesta en mostrarla. La historia transita por suaves y melódicos musicales marcados por el tono de pajarillos y pequeños animales indefensos, pero siempre con un dibujo muy realista que no es difícil imaginárselo en fotografía. El mismo Bambi destaca por su absoluta inocencia y timidez, como si el hecho trágico de perder a su madre hubiese sido bloqueado de su núbil mente. Sin embargo todos son conscientes de los peligros exteriores, sólo que no es necesario hablar del tema excepto cuando es tiempo de correr. Por eso afirmo que Bambi es sugerente, porque juega con el miedo sin mostrarlo, en vez de eso pone música alegre y nos olvidamos un poco de lo que sucede. El cine como modo de evasión, sobre todo en periodos de guerra.

El elemento más importante de la película después del miedo, es el concepto de hombre.